Adoptée par le public Français, jusqu’à recevoir des mains de notre Ministre de la Culture la Médaille de Chevalier des Arts et des Lettres, plusieurs fois disque d'or et platine, et nommée aux Grammy Awards, la chanteuse américaine Stacey Kent présente un nouveau projet orchestral.

I Know I Dream mêle classiques de la bossa nova, chanson française, standards du Great American Songbook, mais aussi des compositions originales écrites par son mari, le saxophoniste Jim Tomlinson. Les paroles sont co-signées par le célèbre romancier Kazuo Ishiguro, le poète Antonio Ladeira et le parolier de Nashville Cliff Goldmacher.

Rejointe par l'Orchestre Symphonique Confluences dirigé par Philippe Fournier, Stacey Kent présentera un répertoire réarrangé pour orchestre par Tommy Laurence, protégé de Johnny Mandel. Sur ce terrain musical élargi qui donne à l'univers de Stacey toute son amplitude lyrique et mélancolique, la chanteuse et son groupe parviennent à conserver leur remarquable sens de l'intimité et de la délicatesse.

Une voix sensuelle, limpide et fluide, aux couleurs swing et aux teintes jazzy, Stacey Kent est avant tout une personnalité qui dégage une sensibilité poignante et une mélancolie saisissante.  Un voyage orchestral sublime où l'alchimie musicale dissipe les frontières du genre. Ce concert sera un véritable délice pour les oreilles sensibles aux histoires d’amour racontées avec romance et sensualité. 

Avec l’Orchestre Symphonique Confluences – Direction Philippe Fournier

Agé de 79 ans, Buddy Guy figure au Panthéon du Rock’n Roll. Il a su influencer de nombreux monstres sacrés du Rock tels que Jimi Hendrix, Eric Clapton ou encore Stevie Ray Vaughan ; il est l’un des pionniers du légendaire son West Side de Chicago, et s’y impose encore aujourd’hui comme la mémoire vivante de la grande époque de l’Electric Blues. Buddy Guy a reçu 7 GRAMMY Awards, un Lifetime Achievement GRAMMY Award (2015), 34 Blues Music Awards (plus qu’aucun autre artiste), the Billboard Magazine Century Award couronnant l’ensemble de sa carrière, le Kennedy Center Honor, ainsi que la très prestigieuse Presidential National Medal of Arts. Rolling Stone Magazine l’a par ailleurs classé 23ème des “100 plus grands guitaristes de tous les temps”.

Le 31 Juillet 2015, Buddy Guy sort Born To Play Guitar, son tout dernier album sous le Label Silvertone/RCA Records. Dès sa sortie, celui-ci se retrouve N°1 au Classement des meilleures ventes d’Albums de Blues. Faisant suite à Rhythm & Blues, son premier double album, paru en 2013 et lui aussi immédiatement N° 1 dans ce même classement, Born To Play Guitar est réalisé par le songwriter / réalisateur et collaborateur de longue date de Buddy Guy, Tom Hambridge, maintes fois récompensé aux Grammy Awards. On y trouve des invités de marque, tels que Van Morrison, Joss Stone, Kim Wilson et Billy Gibbons.

Bien que le nom de Buddy Guy semble être à jamais associé à la ville de Chicago, son histoire débute en Louisiane. Il nait en 1936 d’une famille de cinq enfants. Ses parents sont métayers. Il grandit dans une plantation avoisinant la petite ville de Lettsworth, à environ 225 kilomètres au Nord-Ouest de la Nouvelle-Orléans. Buddy n’a que sept ans lorsqu’il confectionne sa première guitare de fortune, une drôle de machine à deux cordes reposant sur un morceau de bois et fixées grâce aux épingles à cheveux de sa mère.

En 1957, lui et sa guitare s’embarquent pour Chicago, où il n’aura de cesse de donner à son instrument de multiples fonctions. Tout d’abord en tant qu’instrumentiste au sein de la maison de disque Chess Records, pour laquelle il enregistrera aux côtés de Howlin’ Wolf, Muddy Waters, et d’autres grandes légendes du Label. Puis en tant qu’artiste solo, où son style “enflammé” prendra toute sa dimension, influençant bon nombre de guitaristes, de Jimmy Page à John Mayer. “Il était pour moi ce qu’Elvis devait être pour d’autres,” déclare Eric Clapton lors de la cérémonie d’intronisation de Buddy Guy au Rock and Roll Hall of Fame en 2005. “Ma route était tracée. Il en était le guide.”

Sept années s’écoulent ; Juillet 2012 marque une étape cruciale de la carrière de Buddy Guy : Il reçoit le 2012 Kennedy Center Honor pour son immense contribution à la culture américaine. Un peu plus tôt cette même année, lors d’un concert à la Maison Blanche, il convainc le Président Obama de le rejoindre sur scène pour entonner le refrain de “Sweet Home Chicago.” En 2012 également, il publie When I Left Home, un recueil de mémoires très attendu.

Après toutes ces années, Buddy Guy reste un authentique trésor américain, et l’un des derniers témoins d’une époque fondamentale dans l’évolution musicale du pays. Mais il a plus que jamais le regard tourné vers l’avenir. En témoigne son actuelle collaboration avec son nouveau petit protégé, âgé seulement de 16 ans, Quinn Sullivan.

“Je suis très préoccupé par l’héritage qu’ont laissé Muddy, Wolf et tous ceux qui ont créé cela,” dit-il. “Je tiens à ce qu’ils ne soient pas oubliés. C’est comme pour Ford : Henry Ford a inventé la voiture qui porte son nom, et, malgré tous les progrès technologiques en matière d’automobile, il y a toujours, sur le capot de la voiture, ce petit symbole où est inscrit ‘Ford’.”

“Voilà une des dernières choses que Muddy Waters m’ait dit : Lorsque j’ai appris qu’il était gravement malade, je lui ai téléphoné et lui ai dit ‘J’arrive.’ Il m’a répondu : “Ne viens pas, ça va aller. Continue juste à faire vivre ce satané Blues.’ En fait, tous m’ont dit que s’ils partaient les premiers, ce serait sur mes épaules que tout reposerait. Aussi, tant que je suis en ce bas monde, je fais tout mon possible pour que le Blues reste bel et bien une musique vivante.”

En quelques décennies, Bobby McFerrin aura brisé toutes les règles : lauréat de 10 Grammy, il a brouillé la frontière entre musique pop et savante, n’hésitant pas à « faire l’idiot » pieds nus dans des salles pourtant prestigieuses à travers le monde, explorant vocalement des territoires vierges et inspirant une toute nouvelle génération de chanteurs a cappella ainsi que le mouvement beatbox. Son dernier album, Spirityouall, est un enregistrement « cool », bluesy, un pas de côté inattendu pour ce rebelle de l’industrie de la musique qui à lui seul a redéfini le rôle de la voix avec son hit a cappella «Don’t Worry, Be Happy, » ses collaborations avec Yo-Yo Ma, Chick Corea et l’Orchestre philharmonique de Vienne, son chœur d’improvisation Voicestra et ses performances vocales solo légendaires !

Cela a été la plus silencieuce et polie des révolutions. Bobby McFerrin a toujours été une improbable star de la pop. Il a créé un veritable hit qui est resté numéro 1 des ventes et qui a traversé les generations (qui n’a jamais fredonné “don’t worry be happy” ?), puis est tranquillement retourné vers son propre parcours musical, iconoclaste, improvisant à la télévision nationale, chantant des mélodies sans mots, inventant spontanément des partitions pour 60 000 choristes dans un stade en Allemagne, ignorant les frontières du genre, défiant toutes les attentes… La plupart des gens ne savent pas que Bobby vient d’une famille de chanteurs. Son père, baryton du Metropolitan Opera : Robert McFerrin, Sr. a a chanté pour Sydney Poitier pour la version cinématographique de Porgy  & Bess, et sa mère Sara était une soliste soprano et professeur de chant. 

Bobby a grandi entouré de musique de toutes sortes. Il se souvient encore diriger du Beethoven sur la chaîne hifi familiale à trois ans, se cacher sous le piano tandis que son père et sa mère donnaient des cours à de jeunes chanteurs, danser autour de la maison sur du Louis Armstrong, Judy Garland, Etta Jones ou Fred Astaire. Il a commencé plus sérieusement la musique enfant en jouant de la clarinette, mais sa carrière musicale a débuté en tant que pianiste, à l’âge de 14 ans. Il était leader de ses propres groupes de jazz, a étudié la composition, est parti en tournée ave les Ice Follies, a joué pour des classes de danse. Puis un jour qu'il se promenait chez lui, il comprend en un éclair qu’il est et a toujours été chanteur !

L’histoire de Bobby comme instrumentiste et leader est essentielle pour comprendre son approche novatrice de son schéma de l’harmonie, du rythme et de la mélodie avec sa voix. « Je ne peux pas chanter tout à la fois, » dit-il, « mais je peux faire des allusions de telle manière que le public entende ce que je ne chante pas. » Cet esprit pionnier et virtuose a ouvert un ciel immense, avec une quantité de possibilités pour les chanteurs ; ses expérimentations vocales vont de son tube “Don’t Worry Be Happy” qui comprenait 7 pistes distinctes superposées à l’album “VOCAbuLarieS” (avec Roger Treece) qui lui en comprenait des centaines ! Mais la virtuosité n’est pas le propos. « J’essaie de ne pas « faire une performance » sur scène, » assure Bobby. « J’essaie juste de chanter comme je le fais dans ma cuisine, parce que je ne ne peux pas m’en empêcher. Je veux que le public quitte le théâtre et chante dans sa propre cuisine le lendemain matin. Je veux faire plonger le public dans cette incroyable sensation de joie et de liberté que je ressens lorsque je chante. "

VERYSHOW Productions présente JETHRO TULL - 50th Anniversary Tour

C’est le 2 février 1968, au célèbre club Marquee sur Wardour Street au Royaume-Uni, que Jethro Tull se produit pour la 1ère fois sous ce nom.  Le groupe deviendra par la suite l’un des plus célèbres groupes de rock progressif de sa génération, et enchaînera les hits et les récompenses avec plus de 60 millions d’albums vendus dans le monde, et en se faisant une place importante dans le paysage culturel et musical de l’époque. Jethro Tull a un catalogue riche et varié, allant de la folk au blues, du classique au heavy rock, et ne cesse de se réinventer musicalement.

Dans le but de célébrer cet anniversaire comme il se doit, Ian Anderson fêtera les 50 ans de Jethro Tull avec 8 concerts au Royaume-Uni en avril, suivis d’une tournée mondiale. Pour la France, rendez-vous pour une date unique, le samedi 24 novembre 2018 à Paris, Salle Pleyel. L’occasion de revivre les classiques de leurs débuts, mais aussi leurs plus gros hits planétaires extraits de leur albums « This Was », « Stand Up », « Benefit » ou encore « TAAB2 » qui date de 2012.

À propos de cette tournée anniversaire, Ian Anderson déclare : 

“Je ne suis pas du genre à célébrer les anniversaires, mais on peut dire que, pour une fois dans ma vie, je ne ferai pas mon rabat-joie ! Je chéris tous ces souvenirs des premiers moments de l’aventure Jethro Tull où nous étions tellement excités à l’idée de visiter tous ces pays pour la première fois et de rencontrer nos fans à travers le monde. On peut dire que c’est une véritable célébration pour tous les membres du groupe qui ont honoré nos rangs, et qui ont apporté leurs compétences et leurs styles lors des performances sur scène et en studio.

Rejoignez-nous pour une soirée nostalgique avec un répertoire varié, représentatif de ma façon de faire évoluer continuellement mes compositions, tout comme l’ensemble de nos carrières qui progressent au fil des années. »